Es bastante raro que una Bienal de Arquitectura de Venecia, tan a menudo dominada por la nueva arquitectura y las celebridades del mundo del diseño, se enfrente a temas tensos como la raza, el colonialismo y el cambio climático. La edición de Lesley Lokko va un paso más allá y afirma que los tres temas están inextricablemente conectados de maneras que tienen implicaciones apremiantes para la profesión.
“El cuerpo de las personas de raza negra fue la primera unidad de energía de Europa”, dijo Lokko, arquitecta, académica y novelista ghanesa formada en Escocia, durante un recorrido por la exposición.
A través del trabajo esclavo y la expansión colonial, argumenta, las potencias occidentales construyeron imperios cuya imponente arquitectura, a menudo de estilo neoclásico y que afirmaba representar valores estéticos universales, era en sí misma una expresión de control político.
En esta 18ª Exposición Internacional de Arquitectura, Lokko otorga un lugar privilegiado a dos tipos de historias: las que permiten a África y la diáspora africana narrar esa historia turbulenta en sus propios términos y las que imaginan cómo las cosas podrían haber resultado radicalmente diferentes.
El primer grupo utiliza la arquitectura como recurso mnemotécnico para recordar historias y prácticas de diseño tradicionales; el segundo como vehículo, como una nave espacial que viaja en el tiempo para una especie de alegre ciencia ficción.
En el campo mnemotécnico está Isabella Gibbons, esclava en la década de 1850 en la Universidad de Virginia, rodeada por la arquitectura neoclásica del propietario de esclavos Thomas Jefferson.
Su historia es fundamental para “Unknown, Unknown: A Space of Memory”, una instalación de los arquitectos Mabel O. Wilson, J. Meejin Yoon y Eric Höweler (el mismo equipo que diseñó el reciente Monumento a los Trabajadores Esclavizados en la Universidad de Virginia).
Montada en un arco en la pared con letras doradas, detrás de una serie parpadeante de pantallas de video, está la descripción de Gibbons de la esclavitud en manos del profesor universitario William Barton Rogers, quien más tarde fundó el Instituto Tecnológico de Massachusetts:
“¿Podemos olvidar el chasquido del látigo, el cuero de vaca, el poste de azotes, el bloque de subastas, las esposas, los perros de aguas, el collar de hierro, el momento en que un traficante de negros arranca al niño pequeño del pecho de su madre como un cachorro de la leona?”
El poste de flagelación, el bloque de subastas, el telón de fondo de los diseños de Jefferson para los edificios del campus: la escena violenta descrita en la pared de la galería se desarrolló en un entorno innegablemente arquitectónico.
El grupo de ciencia ficción incluye al artista nigeriano radicado en Nueva York Olalekan Jeyifous, quien llena una de las más grandes galerías de la Bienal con una especie de fantasía panafricana, imaginando un continente donde “las infraestructuras imperialistas se dedican a la explotación económica y la extracción de recursos” han sido reemplazadas por cooperativas locales para promover tecnologías verdes.
La instalación de Jeyifous, que va de un color de verde y amarillo a un brillo casi neón, remeda un “Protopuerto totalmente africano” que permite viajes por aire, tierra y mar con cero emisiones de carbono.
En ambos casos, el punto es desafiar la suposición de Occidente de que llega a ser el narrador de cada historia consecuente (incluida la historia de la arquitectura) y, por si fuera poco, cada visión de la ciudad futura. Como dice Lokko, “La ‘historia’ de la arquitectura está incompleta. No está mal, pero está incompleta”.
Por lo tanto, no hay que dejarse engañar por el título evasivo de la exposición, aparentemente compuesto para lograr la máxima inofensividad: “El laboratorio del futuro”.
De hecho, Lokko está ansiosa por usar su comisariato en la Bienal para hacer una serie de declaraciones sobre cómo el movimiento Black Lives Matter y la pandemia han remodelado el mundo del diseño; y para lidiar con las ansiedades relacionadas con la crisis climática, la precariedad económica y el auge de la inteligencia artificial, entre otros pozos profundos de malestar contemporáneo.
Como todas las Bienales, la exposición está anclada en dos enormes instalaciones centrales: una en espacios industriales en el Arsenale, los antiguos astilleros; el otro en un entorno más parecido a un museo dentro de los Giardini, o jardines públicos, que también albergan una serie de pabellones nacionales organizados por sus países de origen.
“Estábamos muy interesados en la relación entre la arquitectura y lo que a menudo se consideran disciplinas periféricas: personas que trabajan a escala urbana, en el paisaje, en la práctica artística”, me dijo Lokko.
Con ese espíritu, le ha dado un espacio destacado al arquitecto paisajista de Oakland, California, Walter Hood, quien se asoció con Alma Du Solier para plantar una versión de un humedal de Carolina del Sur en el exterior de los Giardini, y a Eyal Weizman, fundador de Forensic Architecture, que junto a David Wengrow documenta nuevas exploraciones arqueológicas de asentamientos de 6.000 años de antigüedad en lo que ahora es Ucrania.
Su instalación proyecta un video de este sitio de excavación en el piso de la galería. Algunos de los asentamientos que salieron a la luz estaban marcados por “una huella ecológica sorprendentemente ligera”, sin ningún signo “de control centralizado o estratificación social”.
“Si estos antiguos sitios ucranianos son ciudades”, argumentan Wengrow y Weizman, “entonces nuestro concepto de ‘la ciudad’ como arraigado en una historia de extracción, depredación y jerarquía también debe cambiar”.
Al centrarse, en gran parte, en arquitectos de África y la diáspora africana, Lokko ha introducido un léxico vigorizantemente nuevo y ha prestado atención a las historias enterradas y exiliadas. Su espectáculo ofrece un correctivo a la autosatisfacción y el estrecho énfasis en una camarilla de grandes nombres que a veces marca la Bienal.
Además de la descolonización y la descarbonización, los temas gemelos en torno a los cuales gira el espectáculo, categorías que incluyen movimientos laborales colectivos, la reutilización inventiva de materiales y edificios, migración, encarcelamiento, narración de historias y formas indígenas de práctica de diseño (o lo que marca David Adjaye, una presencia importante en esta Bienal, los llamados “sistemas de conocimiento perdido”) se destacan como nunca antes.
FUENTE: Christopher Hawthorne – www.clarin.com
